Salvatore Commercio - Umelec - Diela

Salvatore Commercio - Umelec - Diela

UMENIE A ŽIVOTNÉ PROSTREDIE

Salvatore Commercio, práce


Veľmi vertikálne


Vertikalistická trilógia


Z ničoho


Ďalšia vertikalistická genéza


Pozdĺž vertikály


Zvislo

SLEDUJTE OBCHODNÉ OBDOBIE SALVATORE

Ak ste umelci a chcete publikovať svoje diela na tomto webe, napíšte na adresu [email protected]


Je na predaj vlastných umeleckých diel potrebné otvoriť IČ DPH umelca?

Ako predať svoje umelecké diela a aké dokumenty musíte vystaviť, aby ste sa nestali daňovým podvodníkom. Je potrebné otvoriť DIČ umelca aj pri predaji jedného umeleckého diela?

Mnoho umelcov sa ma často pýta, ako sa správať k daňový úrad, v prípade predaja ich obrazov. Niektorí sa niekedy dokonca rozhodnú svoje diela nezverejniť online, aby sa tak vyhli jednoduchému zverejneniu na internete predajná činnosť a že je preto potrebné podniknúť rôzne druhy daňové aktíva.

Pokúsme sa teda pochopiť, čo je potrebné urobiť, aby nehrozilo, že sa stanete, možno nechtiac, daňoví podvodníci.

Jednoduchá online publikácia, ani na konkrétnych portáloch venovaných predaju umeleckých diel, ako je PitturiAmo, nepredstavuje predaj. A to ani vtedy, ak je cena diela jasne zverejnená.

The daňové povinnosti sa musia brať výlučne a výlučne v prípade predaja diela.

V takom prípade je prvoradým hľadiskom frekvencia predaja a množstvo prác.

V prípade, že umelec nie je profesionál alebo neurobil umenie ako svoju hlavnú činnosť, je možné nahlásiť predaj diela tak, že ho orámuje ako príležitostný predaj, teda bez povinnosti otvárať DIČ.

Ďalej, ak výška predaja nepresiahne 5 000,00 € ročne, umelec nebude mať povinnosti ani pokiaľ ide o povinnosti sociálneho zabezpečenia.

Samozrejme hovoríme o dielach, na ktorých umelec drží Autorské práva, to znamená, že ich vytvoril ten istý umelec, a nie napríklad maľby od iných umelcov, ktorých je daná osoba doma.

Zoberme si niekoľko príkladov, aby sme ich lepšie pochopili.

Umelec Paolo je štátny zamestnanec, ktorý vo svojom voľnom čase maľuje pre vášeň. Chcel by mať možnosť doplniť si plat, a preto sa rozhodne dať niektoré zo svojich diel do predaja. Vďaka'marketingové aktivity vyvinuté online na PitturiAmo a podľa jeho koeficientu umelca sa mu podarí predať jedno zo svojich diel za cenu 4 000,00 €. V takom prípade nie je spoločnosť Paolo povinná otvoriť DIČ, ale môže vystaviť jednoduchý príjmový doklad. Rovnako nie je povinná platiť platby INPS v rámci sociálneho zabezpečenia.

Potvrdenie musí byť potom predložené v daňové priznanie.

Preto bude postačujúce zakúpiť blok bločkov, ktoré budú postupne očíslované a datované, ktoré je potrebné vyplniť pri každom predaji s uvedením jeho údajov (vrátane daňového zákona), druhu predávaného tovaru (napríklad „olej na plátne“) 70 × 100 + názov diela “), cena a daňové údaje o uchádzačovi (názov spoločnosti, sídlo a DIČ).

Ak však má v tom istom kalendárnom roku možnosť predať ďalšie dielo za cenu 3 000,00 €, môže kedykoľvek vydať jednoduchý účtenka za príležitostný predaj, ale bude musieť platiť príspevky na sociálne zabezpečenie presahujúce 5 000,00 € (v tomto prípade nad 2 000,00 €)

Pokiaľ sa tieto predaje vyskytnú príležitostne, Paolo bude vždy schopný vystaviť jednoduchý príjmový doklad.

„Gradisca“, olej na plátne, autorka Carla Thaler Sabaini, alias „Scarlat“, 70 × 50 cm.

Predpokladajme namiesto toho, že umelkyňa Lisa prostredníctvom svojej webovej stránky pre umelcov predáva obrazy za veľmi nízke ceny, napríklad za každú po 100,00 EUR. Ak by bol predaj týchto diel častý, aj keby nedosahoval hranicu 5 000,00 EUR ročne, v žiadnom prípade by nemohol vydať potvrdenie o príležitostnom vykonaní, pretože by išlo o častú činnosť, ktorá by mala byť regulovaná otvorením veľa DPH.

V prípade, že by Lisa mala byť maloletou študentkou, bola by fiškálne závislá od svojich rodičov a títo musia predložiť príležitostné potvrdenia o predaji počas fázy daňového priznania.

Reč súvisiaca s Larinou profesionálnou činnosťou je na druhej strane úplne iná, profesionálny umelec, vďaka ktorej sa umenie stalo hlavnou činnosťou v oblasti obživy.

V takom prípade je Lara povinná po konzultácii so svojím účtovníkom určiť najvhodnejšiu daňovú pozíciu, a to pravidelne identifikačné číslo DPH a identifikácia vašej firmy správnym spôsobom ATECO kód.

Toto je práve popísaných najbežnejších okolností, ktoré je možné nakonfigurovať pre predaj obrazov profesionálnymi alebo amatérskymi maliarmi. Prípady môžu byť samozrejme najrozmanitejšie. Je preto nevyhnutné počúvať názor účtovníka, aby ste lepšie pochopili, ako sa má správať.

Dúfam, že je všetko jasné. V každom prípade vám radím kontaktujte priateľa účtovníka, pre akékoľvek vysvetlenie týkajúce sa vašej konkrétnej situácie.

Ak naopak máte nejaké úvahy môžete zanechať komentár, na tej istej stránke, na konci článku.

Práce publikované v tomto článku:

  • Geometrická harmónia 2, multimateriál, 35 × 43 cm, z Vito Spada, apúlsky umelec. Navštívte jeho osobnú webovú stránku, ktorú vytvoril PitturiAmo
  • Prosím, olej na plátne, autor Carla Thaler Sabaini alias „Scarlat“, benátsky maliar. Prezrite si jeho osobnú webovú stránku, ktorú vytvoril PitturiAmo, a pozrite si koeficient umelca, ktorý vydala PitturiAmo

Propagácie uverejnené v tomto článku:

  • Webová stránka umelca - Vaša webová stránka umelca, neďaleko PitturiAmo. Tam sila PitturiAmo k vašim službám. Propagujte svoje umenie webovým serverom, ktorý je špeciálne určený pre vás a je neustále prístupný v úzkom kontakte s webovými kanálmi PitturiAmo. Môžete tak využiť všetky svoje sily.
  • Koeficient umelca - Priraďte svojim dielam správnu hodnotu. Vyžiadajte si koeficient umelca, užitočný nástroj na komunikáciu skutočnej hodnoty VÁŠHO čl

Autor: Nino Argentati

Som konzultant v oblasti webového marketingu, to znamená, starám sa o online prítomnosť spoločností a profesionálov. Vytváram webové stránky a starám sa o to, aby som zákazníkom zaručil maximálnu online viditeľnosť, staral sa o umiestnenie vo vyhľadávačoch, aktivoval reklamné kampane prostredníctvom e-mailu, na sociálnych sieťach alebo vo vyhľadávačoch. Neustále študujem, aby som držal krok s rýchlymi transformáciami siete. Vytvoril som a spravujem PitturiAmo - portál súčasných maliarov s cieľom pomáhať umelcom pri online propagácii.


Register

Výroba a spotreba umeleckých diel, luxusných predmetov a služieb boli chrbticou predindustriálnych ekonomík. [15]

V priebehu vekov rôzne druhy trhov formovali umenie radikálne odlišným spôsobom. [16] Rast trhu s umením je paralelný so zmenami u klienta a vedie k diferenciácii umeleckej produkcie: v priebehu času rastúca sieť výmen robí z obrazov a malých sôch vhodnejšie ako fresky, pretože kupujúci hľadajú diela, ktoré je možné vlastniť. , prepravovať a predávať ďalej ako tovar. [17]

Obchodná revolúcia neskorého stredoveku a renesancie nielen stimulovala dopyt po umeleckých dielach, ale prostredníctvom technologického pokroku sprístupnila aj vhodné materiály pre umeleckú tvorbu. [18] Napríklad zavedenie tlače tiež zvýhodňuje uvádzanie na trh odolnejších druhov papiera. [19] V 15. storočí sa kresby stali dielami úplnej umeleckej dôstojnosti, ktoré sa uchovávajú alebo predávajú za účelom zisku, a to aj vďaka náčrtom Pisanella a Leonarda. [19] Tlače sa tak stávajú zberateľským a obchodovateľným umeleckým majetkom. [20]

„V oblasti tlačovín je zrejmé, že irelevantnosť rytcovho podpisovania - alebo iniciácie alebo označenia znakom, napríklad caduceus, ako to robí Jacopo de 'Barbari - ide ruka v ruke s nárastom organizovaný trh, to znamená, že je to dôsledok skutočnosti, že vo väčšine prípadov sa výtlačky nevyrábajú na objednávku alebo pre niekoho konkrétneho - a to natoľko, že keď chcete upozorniť na možného konkrétneho príjemcu, uchýlite sa k nápadnému nápisy s dedikátmi - ale pre generický trh, z ktorého je nevyhnutné byť uznaný, aby sa etabloval “. [21] Po Raffaelovej smrti sa trh s potlačami, ktoré reprodukujú jeho diela, znásobuje umelcovo meno. Niekedy sa meno umelca uplatňuje až v druhom vydaní rytín, pretože podporuje úspech tlačiarov. [22]

Vo florentskej renesancii prestížne rodiny súťažili o najlepšiu výzdobu priestorov v kostoloch a táto súťaž spojená s verejnými výstavami posilňuje rastúci záujem o reklamu, ktorá láka kupujúcich. Verejné výstavy sa konajú počas cirkevných sviatkov a spočiatku pozostávajú z diel objednaných krátko predtým kostolmi a kláštormi. Postupom času sú však vystavené diela oslobodené od provízií a náboženských predmetov, ktoré majú prevažne komerčný účel. Expozícia sa vyvinie do priameho predaja zainteresovaným zákazníkom. [20]

V šestnástom storočí, keď Florencia a Taliansko stratili pozíciu relatívnej hospodárskej prevahy v dôsledku účasti na vojnách o Francúzsko a Španielsko, ktoré vyčerpali hospodárske zdroje mesta, boli obchodné cesty sťažené alebo uzavreté. Nakoniec, objavenie Ameriky spolu s pádom Konštantínopolu v roku 1453 odštartoval proces presunu obchodných ciest. Na začiatku 16. storočia sa Rím ujal ako dôležitejší zdroj poverenia ako Florencia, o čom svedčí diaspóra hlavných vtedajších umelcov. [23]

Úpadok florentskej renesancie zodpovedá aj posunu ekonomickej a umeleckej nadvlády smerom do Holandska, kde umelecký rozkvet začína v 15. storočí: [24] Holandské obrazy, tlače a porcelán sa stávajú predmetom najväčšieho exportu do Európy. Pre trh s umením sa vytvára silná trieda pre vyššiu buržoázu, aj keď ľudia zo všetkých spoločenských vrstiev kupujú obrazy, možno nižšej kvality: od 90. rokov 20. storočia viedli trendy v holandskom verejnom nákupe [25] k bezprecedentnému hromadeniu diel čl. 'čl. [26] Neskôr sa holandský „zlatý vek“ stal obeťou vojny a hospodárskeho úpadku, keď s vojnou proti 70. rokom proti Francúzsku a Anglicku ekonomická situácia stagnovala a dane stúpli a umenie sa zrútilo. [27]

V 18. storočí boli v rôznych európskych mestách zavedené trhy s aktívnym umením bez toho, aby dominovali v centre alebo štýle. Okrem toho sa objavujú trhy z nových kontinentov, najmä z amerického, a dovoz čínskeho porcelánu určuje obnovenie obchodu s východom. So začiatkom priemyselnej revolúcie čoraz významnejšiu úlohu na trhoch s umením preberá buržoázia, ktorej príkladom je Josiah Wedgwood. [28]

„Štruktúra trhu so súčasným umením, založená na systéme súkromných galérií, sa zrodila vo Francúzsku v posledných desaťročiach devätnásteho storočia v rozpore s uzavretím a nepružnosťou oficiálnej organizácie plastického umenia, v ktorej dominuje Académie des beaux -art ". [29]

Od začiatku devätnásteho storočia sa vzťah medzi ekonomikou a kultúrou začal prezentovať aj kriticky, ekonomická literatúra devätnásteho a začiatku dvadsiateho storočia sa však touto témou zaoberá povrchne a čiastočne, prostredníctvom textov animovaných polemickými účelmi, príp. jednoduché komentáre k výsledkom aukcie. [30]

Zriadením salónov sa „množia verejné príležitosti na kontakt s umením“ [31] a „verejné zdieľanie umenia“ tiež preberá „sociálnu a politickú úlohu“ s cieľom „dialógu medzi umelcom a umelcom“. verejnosť ". [32] V tejto súvislosti sa umelec oslobodzuje od závislosti zberateľov pri aukčnom predaji, navyše „sú vybudované miesta na likvidáciu celých zbierok“ [33], ktoré tiež uprednostňujú únik spoločenských hierarchií, ako zdôrazňuje Gersaint sám seba. [34]

Ešte v osemnástom storočí vo Francúzsku však situácia, ktorá nastala od založenia akadémie v roku 1648, stále pretrvávala: kariéra umelca bola pod prísnou akademickou kontrolou aj „z hľadiska komerčného úspechu“ a inštitucionálneho pokroku. predchádzali mu „stratégie sebapropagácie na voľnom trhu“. [35] V tejto súvislosti je úspech v salóne nevyhnutný pre to, aby bol umelec „akceptovaný dominantným vkusom širokej verejnosti a predovšetkým vyššej strednej triedy (.) [S] dôležitými dopadmi aj na predaj prostredníctvom ďalšie kanály “: táto situácia v polovici devätnásteho storočia sa vzoprela„ inovatívnym umelcom, ktorí sa vo fáze vývoja snažili vybudovať svoju kariéru na voľnom trhu “. Zlom sa začal v roku 1855, keď Pavillon du Réalisme ktorú Gustave Courbet inštaluje pred svetovou výstavou v Paríži a ktorá predchádza Salon des Refusés a konaniu nezávislých umelcov, ktorých je Manet vodcom. [36]

Rastúci francúzsky trh s umením sprevádzajú ďalšie zábavné príležitosti, ako sú napríklad veľtrhy alebo cirkusy, ktoré sa v Le Bon Marché po prvý raz spojili pod jednou strechou. Moderné techniky zobrazovania obrazov sú inšpirované pútavými výkladmi, na rozdiel od prevládajúcej praxe v minulosti, ktorá spočíva v naskladaní čo najväčšieho množstva obrazov na jednu stenu. Impresionisti zobrazujú pôžitky z voľného času, ktoré ponúka kapitalizmus rastúcej strednej triede, ako sú Renoirove kaviarne alebo Degasov tanec. Rovnako ako v renesančnej Florencii a Holandsku je vitalita umenia spojená s kapitalistickou kultúrou bohatstva a konzumu. Nové technológie navyše poskytujú ďalšiu podporu francúzskym maliarom, napríklad vonkajšie lakovacie zariadenia. [37] Iba s impresionistami konkurujú štýly sponzorované trhom štýlom sponzorovaným vládou. [38]

V poslednom desaťročí devätnásteho storočia vytvorili impresionisti medzinárodnú sieť v spolupráci so svojimi kritikmi, prvými zberateľmi a hlavným obchodníkom Paulom Durandom-Ruelom. Posledný menovaný „predstavuje prototyp nového inovatívneho obchodníka, a to na úrovni umeleckého výberu aj na úrovni komerčných stratégií“. [39] „Inovačné charakteristiky jeho činnosti“ sú záujem „na vylepšení nového obrazu, ktorý zatiaľ trh nevyžaduje“, túžba po monopole na umeleckú produkciu impresionistov, akumulácia diel na sklade a uzatváranie zmlúv ", usporiadanie série osobných výstav, otvorenie vlastných pobočiek v zahraničí a" kritické vylepšenie nového umenia prostredníctvom založenia časopisov ". [40]

Aj obchodníci Ambroise Vollard a Daniel-Henry Kahnweiler patria medzi ďalších iniciátorov tohto systému [41], ktorý nadobúda veľkú razanciu najmä v prvých dvoch desaťročiach dvadsiateho storočia, až do „neutralizácie a buržoázie najdôležitejšieho napätia výskum Nové povojnové avantgardy reagujú proti tomuto trendu vrátane dadaistov a potom v efektívnejšej organizačnej a teoretickej podobe surrealistov “. [42] Už pre Baudelaira „jedinou možnosťou, ako môže umenie zostať autentické a prežiť kapitalistickú civilizáciu“, nie je postaviť sa proti predmetu slobodný k tomu v sérii, ale skôr aby zaujala „charakteristiku komoditného objektu, sebazapierajúcu tradične umeleckú zložku pôvodného diela“: návrhy v tomto zmysle pochádzajú od Marcela Duchampa a neskôr od Marcela Broodthaersa a Pira Manzoniho. [43]

V 20. rokoch sú už inštitúcie moderného umeleckého sveta aktívne, najmä s Picassom, ktorý stelesňuje nový prístup k marketingu: sláva a bohatstvo dosiahnuté v krátkom čase mu umožňujú zvoliť si časy a predmety a organizovať vlastné kampane. propagácia. Picasso je prvým maliarom, ktorý sa stal mediálnou celebritou v západnom svete, a pomocou masmédií upevňuje svoju umeleckú slobodu. [44] Médiá sa analogicky využívajú aj neskôr ako Warhol, názov „The Factory“ zdôrazňuje spojenie medzi umeleckou a priemyselnou výrobou. [45]

Po „hospodárskej kríze v 30. rokoch 20. storočia, vyvolanej kolapsom newyorskej burzy cenných papierov v októbri 1929“ a výraznom poklese umeleckého systému, „trh počas vojny získal späť svoj podiel“. [46] Umelecké diela v skutočnosti predstavujú „bezpečný prístav proti inflácii a mimo kontroly daní“. [47] „Po vojne a v 50. rokoch sa trh vo Francúzsku reštartuje so značnou vitalitou. Najdôležitejším vývojom je však vývoj v galerijnom systéme v New Yorku, ktorý je na ceste stať sa svetovým centrom súčasného umenia.“ „[47] po„ zrode americkej avantgardnej kultúry “a vývoji„ obchodného a múzejného systému s ním spojeného “vyvolaného Armory Show v roku 1913. [48] V skutočnosti„ ekonomickým spojovacím systémom umenia , alebo jeho trh (.), je najľahšie obnoviteľným prvkom: keďže obchod smeruje tam, kde existujú prostriedky, vôľa a vôľa ich na tento účel použiť, bolo nevyhnutné, aby umelecký systém vychádzal z jeho ekonomických dôvodov , sa presťahovali na jediné miesto, kde sa tieto podmienky mohli prejaviť, a to do Spojených štátov “, [49] kde emigruje aj veľa európskych umelcov. [50]

Navyše, v polovici 50. rokov sa Japonsko objavilo na umeleckej scéne [51] „ako producent kultúry v zásade kompatibilnej so západnou kultúrou“. Týmto spôsobom sa rozširuje „svetový horizont“ [52], ktorý sa v novom miléniu rozširuje na ďalšie krajiny a kontinenty, až do dosiahnutia globalizácie [53] zvýhodnenej „víchricou, okamžitým a súčasným obehom informácií a myšlienok“, nasledujúcim „ globálne šírenie internetu “. [54]

Na druhej strane, Taliansko „prinajmenšom do 50. a 60. rokov“ zaujíma relatívne marginálne postavenie „pokiaľ ide o medzinárodný systém trhu so súčasným umením“ [55], najmä z dôvodu zdĺhavej „absencie adekvátneho komerčného využitia“. štruktúr “, ktorých jedinou alternatívou sú výstavy a zahraniční obchodníci, najmä najmä Goupil. [56] Zlom nastal vďaka divizionizmu, ktorý v Miláne uprednostňoval vývoj talianskeho maliarstva a trhu, na ktorom sa protagonistami stali bratia Grubicyovci, najmä Vittore. [57] Zrodením bienále v Benátkach v roku 1895 sa vytvorilo „periodické hodnotenie porovnania hlavných umeleckých trendov rôznych krajín“ a boli vytvorené podmienky pre vznik a rozvoj nového centra súčasného umenia. trh “, ktorý až v 60. rokoch„ prestal predávať priamo riadený “. [58] Rímske Quadriennale bolo pridané k Benátskemu bienále v roku 1931, na ktorom sa uskutočnila „podstatná časť predaja“. [59] Rím sa tak stal spolu s Milánom jedným z hlavných centier trhu so súčasným umením, ktoré sa po druhej svetovej vojne postupne otvorilo medzinárodnému umeniu, rovnako ako Turín. [60]

Všeobecne v západnom svete počas 80. rokov 20. storočia k vnímaniu prispel súbor faktorov - „zvýšený obeh peňazí, zvýšené medzinárodné hospodárske vzťahy, rast celkom mladého pásma nových bohatých, ktorí zbohatli vďaka financiám“ [61]. umenia ako symbol stavu pretože predstavuje „myšlienku maximálnej exkluzivity a zároveň popularity“ [62], to znamená, že sa stáva „populárnym produktom (.) a zároveň elitárskym, pretože účasť je v zásade bezplatná, ale vlastníctvo nie je a je to posledný, čo udeľuje prestíž. Rovnako ako všetky luxusné výrobky, musí byť dostatočne rozšírený, aby bol známy a dostatočne nedosiahnuteľný, to znamená drahý. “ Takto stúpajú citáty najslávnejších umelcov a za krátky čas sa „štruktúra vytvorená z poznatkov, štúdia, vášne“ zrúti tvárou v tvár prepuknutiu peňazí “:„ za niekoľko rokov sa súčasné umenie stalo obchodné “. [63] „Súčasné umenie je v skutočnosti nekonečne dostupnejším produktom ako umenie starodávne a navyše sa neustále obnovuje, čo nám umožňuje reagovať na čoraz širší dopyt, keďže (.) Sú zapojené nové územia - a nový kapitál. „. Z tohto dôvodu „k veľkému počtu návštevníkov výstav vždy dôjde, keď sa stretneme s umelcami alebo s pohybmi minulosti“, zatiaľ čo „veľké mestá sa pohybujú za súčasným umením“. [64]

Nový vývoj Upraviť

Technológia sa všeobecne vždy prikláňala k umeniu. [65] V začiatkoch histórie umenia veľmi drahé materiály nútili umelcov hľadať okamžitý príjem prostredníctvom provízií a predaja. [66]

S globalizáciou pracujú najúspešnejší umelci pre medzinárodnú klientelu vďaka novým technológiám. Veľké aukčné spoločnosti používajú na prevod mien elektronické tabule. [67]

Ďalej „„ v priebehu roku 2018 dosiahli technológie umelej inteligencie prvý vstup do sveta umenia a zbierkových predmetov “. Dňa 25. októbra 2018 dražila spoločnosť Christie's v New Yorku „umelecké dielo úplne vytvorené umelou inteligenciou“, čo medzinárodný trh bez predsudkov privítal. Ďalšia aplikácia „umelej inteligencie vo svete umenia sa týka propagácie umelcov a ich diel s cieľom uľahčiť im vstup na trh“. [68]

Naopak, „rast online kanála, ktorý je v súčasnosti konsolidovaným nástrojom dostupným pre aukčné spoločnosti na oslovenie svojich zákazníkov, sa v roku 2018 zastavil. (.) Toto spomalenie je v rozpore s tým, čo sa zaznamenáva v iných komerčných sektoroch.“ výraznejšia ťažkosť pri upriamovaní pozornosti kupujúcich na digitálne obchodné platformy “. V skutočnosti, ak na jednej strane „online zaručuje rôzne výhody pre kupujúcich, ktorí môžu mať prístup k predajom uskutočňovaným na druhej strane sveta alebo sa môžu zúčastňovať streamingu v aukciách, (.) Na druhej strane je veľa tých, ktorí poukazujú na nedostatočnú transparentnosť, najmä pokiaľ ide o ceny (.), najmä (.) pre primárny trh (.), ktoré sa často vyznačujú prípadovým vyjednávaním. V snahe zvýšiť úroveň transparentnosti a znížiť informovanosť asymetria, V poslednej dobe bolo zahájených množstvo iniciatív zameraných na experimentovanie s technologickými riešeniami a nástrojmi na trhu zberateľského tovaru a najmä v aukčnom predaji (.). Pozornosť umeleckého sveta pre nástroje ako kryptomeny a blockchain preto rastie “. Napokon „sociálne médiá naďalej priťahujú rastúci záujem“ a stávajú sa „konsolidovaným kanálom aj prevádzkovateľmi a aukčnými domami, a to nielen s cieľom rozvíjať trh a oslovovať nových potenciálnych zákazníkov, ale tiež upriamiť pozornosť na prípady diel osobitnej kvality. a prilákať najmladších “. Prostredníctvom internetu je v skutočnosti možné „ľahko kúpiť diela strednej a nízkej hodnoty“ a následne sa zníži „priemerný vek zberateľov“. [69]

Štúdie Edit

Politická ekonómia umenia, [70] publikované Johnom Ruskinom v roku 1857, ovplyvnili prvých historikov umenia, ale boli všeobecne nepochopení a ekonómami zle prijatí z dôvodu vtedajšej citlivosti - „alebo necitlivosti“ zameranej na uspokojenie naliehavejších potrieb. Hodnoty identifikované vo svete umenia sa v skutočnosti hodnotia ako nepochopiteľné, neproduktívne, iracionálne a čisto duchovné: skrátka naopak ako hodnoty hospodárskej politiky. V novej spoločnosti je kultúra odsunutá do fiškálnej diskusie a anonymných parlamentných záležitostí: úvaha o anti-ekonomickej dokonalosti umeleckých diel vedie k negatívnemu vnímaniu a určuje stratu záujmu vedcov. Až v polovici 60. rokov nadobudol vzťah medzi kultúrou a ekonomikou nové konotácie prostredníctvom konkrétneho vyhodnotenia trhov, výroby a kultúrnej spotreby. Na jednej strane postupné sémantické rozširovanie myšlienky kultúrneho dedičstva, na druhej strane objavenie tzv. Nákladovej choroby identifikovanej Williamom Baumolom podporuje zrod „kultúrnej ekonomiky“ a inštitúcie musia prehodnotiť svoje zodpovednosti v oblasti riadenia, ekonomického zlepšenia a šírenia kultúrneho dedičstva. [71]

Na druhej strane, historici umenia sa spočiatku len zriedka zaoberajú ekonomickými otázkami, s výnimkou niektorých nemeckých vedcov, vrátane Henryho Thodea [72], ktorí rozširujú svoj záujem o patrónov, inštitúcie, výrobné procesy a techniky, typy zmlúv a sociálno-ekonomické vzťahy. profesionálne rozmery umeleckej činnosti. Neskôr sa ďalší vedci sociálnych dejín, vrátane Arnolda Hausera, pokúsia osvetliť vzťah medzi umením, ekonomikou a spoločnosťou a pocítia vplyv marxistického vplyvu. [73] [74]

Ak Ernst Gombrich navrhne štúdium kroniky zmien v materiálnych podmienkach, v ktorých sa umenie v minulosti vyrábalo, a je presvedčený, že neexistuje závislosť medzi určitými umeleckými formami a konkrétnymi spoločenskými štruktúrami, vo všeobecnosti dejiny umenia rastú s okrem štúdií múzeí, akadémií a mediačných inštitúcií aj špecializované štúdie na bližšie vymedzené témy spojené s vyšetrovaním spoločenského postavenia a životných podmienok umelcov. Až v druhej polovici sedemdesiatych rokov sa dejiny umenia zväčšovali argumentami ekonomického charakteru v oblasti materiálnej kultúry: od vzťahov medzi znalcami, zberateľmi a sprostredkovateľmi, cez súvislosti medzi ochrannými opatreniami a obchodnou dynamikou, až po politiky týkajúce sa získavania múzeí, výroby kópií a falzifikátov. V deväťdesiatych rokoch začali trhy s umením vzbudzovať záujem aj u učencov stredovekého a moderného umenia. [75]

V ďalších oblastiach Pierre Bourdieu a Jean-Joseph Goux študujú „ekonomiky symbolického tovaru“, Jean Baudrillard skúma „politickú ekonomiku znamenia“ a popisuje ekonomický základ zberu. [76]

Nakoniec, právna zložka zohráva dôležitú úlohu aj v dynamike trhov s umením v dôsledku vplyvu rôznych legislatívnych uznesení na obchodnú bilanciu v čase a v rôznych geopolitických realitách. Príklady poskytujú potlačenie náboženských rádov alebo kríza aristokracie, ktorá má vplyv na patronát, alebo rabovanie a invázia armád - od Napoleona po Hitlera -, konfiškácie alebo revolúcie. [77] Nakoniec je potrebné spomenúť úlohu, ktorú hrajú právne predpisy o ochrane kultúrneho dedičstva. [78]

Trh s umením možno definovať „široko“ aj „striktne“: v prvom prípade zahŕňa všetky typy ekonomicky relevantných búrz, tovarov, služieb, aktérov a akcií a funkcií ako synonymum pre výrazy „oblasť“ alebo „sektor“. . V druhom prípade to na druhej strane zahŕňa kategórie prechodu, ktoré nemožno okamžite klasifikovať ako vzťahy so zákazníkmi alebo predaj vecí, ktoré si klient neobjednal: podnikanie profesionálnych alebo amatérskych sprostredkovateľov, agentov a fiduciárov, dražobníkov a odborníkov, ktorí prerušujú a zosobňujú vzťahy medzi producentmi a spotrebiteľmi a nákup diel zosnulých umelcov. [79]

Jeden rozlišuje medzi primárny trh je sekundárny trh: „Primárny trh s umením znamená umenie pochádzajúce priamo od umelca, ktoré je prvýkrát ponúkané na predaj. Sekundárnym trhom je ďalší predaj: nákup, predaj a výmena medzi zberateľmi, majiteľmi galérií a múzeami.“ [80]

Využitie množného čísla „trhy“ je však hlavne dôsledkom rozhodnutia rozšíriť transakcie na druhy tovarov a služieb, ktoré presahujú hranice Vasariho triády. kresliace umenie (maliarstvo, sochárstvo, architektúra). Táto metodická voľba viedla k zahrnutiu dlhodobých žánrov považovaných za cudzie svetu umenia a zaradených do okrajových oblastí luxusu, to znamená takzvaných menších alebo úžitkových umení alebo remesiel. [81]

Trh s umením na svojej najvyššej úrovni má tendenciu prekvitať v obchodných spoločnostiach s bohatými zberateľmi a patrónmi. Okrem toho sa maľba a sochárstvo v porovnaní s inými umeleckými prejavmi zvyknú sústrediť viac do miest. Mesto podporuje koncentráciu bohatých kupcov so sofistikovaným vkusom zameraných na distribučné siete, ako sú galérie, obchodníci a aukčné domy. Umelci sa tiež sťahujú do miest, aby študovali a učili sa od kolegov, najmä v minulých obdobiach. Ďalej sa v mestách ľahšie odohrávajú technologické revolúcie, ktoré vzhľadom na závislosť umenia od dostupných materiálov často predchádzajú a stimulujú umelecké revolúcie. [82]

V ére globalizácie „je svet súčasného umenia konfigurovaný ako agregácia heterogénnych subkultúr, avšak spojený silným záujmom o umeleckú produkciu. Je to svetová realita, ktorá sa napriek tomu prejavuje predovšetkým v niektorých hlavných mestách umenia. ako New York, Londýn a Berlín “. [83]

Z pohľadu diváka „trh s umením bol vždy považovaný za veľmi selektívny, venovaný znalcom a ľuďom so značnými ekonomickými zdrojmi. Investícia do umenia bola vždy výsadou tých najbohatších, ktorí (.) Použili umelecké diela ako aktívum bezpečného prístavu, keď tradičný investičný trh nenavrhoval priaznivé očakávania do budúcnosti: hodnota umeleckých aktív z dlhodobého hľadiska má vždy tendenciu stúpať umelecké výrobky: umenie je zložité a sofistikované odvetvie a vždy sa považovalo za extrémne nelikvidný trh, na ktorom sa dá vo väčšine prípadov dosiahnuť zisk desaťročia po zakúpení diela., sa vždy považoval za mimoriadne emotívny trh závislý od kritických úsudkov, módy a osobného vkusu. (.) ukážka enticità e provenienza dell'opera e la necessaria intermediazione tra artisti e acquirenti di art dealer, professionisti, intenditori del settore, case d'asta e gestori patrimoniali, rendono il processo di investimento estremamente complesso, macchinoso e poco trasparente”. [84]

Tuttavia "oggi non esiste più la necessità di avere a disposizione un ingente patrimonio: negli ultimi anni le barriere all'ingresso del mercato dell'arte si sono poste l'obiettivo di semplificare il più possibile l'interazione tra acquirenti e artisti e il macchinoso processo di investimento in arte". [85]

Le opere d'arte contemporanea, in particolare, pur mantenendo la funzione peculiarmente estetica, assumono anche la funzione di "bene simbolico, il cui possesso è finalizzato all'accrescimento del prestigio dei proprietari" e la "funzione economica, collegata alla prima, che considera il prodotto artistico dal punto di vista del suo valore di scambio". [86]

Dal punto di vista del produttore, un artista che dipende da un singolo committente è obbligato a rispettarne i gusti per ottenere un guadagno al contrario un grande mercato, diminuendo i costi della produzione artistica, rende più libera l'espressione di qualsiasi tipo di arte, sia quello rivolto alle masse sia quello destinato agli intenditori, senza vincoli a dettami predeterminati. [87] La difficoltà di entrare nel mercato e la ritrosia nei confronti dell'autopromozione costituiscono ostacoli per molti artisti, ostacoli cui gli intermediari possono in parte rimediare. Inoltre l'attività di distributori, intermediari, mercanti, galleristi, critici e case d'asta favorisce il mutare dei gusti e la diversità degli stili. [88]

"Il fatto che un artista vivente ottenga delle buone quotazioni a un'asta consente al mercante d'arte che lo rappresenta di alzare i prezzi delle sue opere, ma il mercato può anche compromettere la carriera di un autore. Molti considerano le aste come un barometro del mercato dell'arte. Un artista può essere molto richiesto perché un museo importante gli ha appena dedicato una retrospettiva, ma ritrovarsi tre anni dopo a dover subire l'affronto di essere 'comprato dalla casa' perché le sue opere sono rimaste al di sotto del prezzo di riserva e non sono state vendute. Le case d'asta incoraggiano questi colpi di scena (. ). Una quotazione da record sembra sancire la fama di un artista, mentre una vendita mancata diventa l'anticamera della fine". [89] Analogamente l'acquisto da parte ad esempio di Larry Gagosian fa salire vertiginosamente i prezzi. [90]

"Per definire il valore commerciale di un'opera d'arte contemporanea di un artista effettivamente presente sul mercato, si prendono normalmente in considerazione specifici fattori di ordine quantitativo e qualitativo, associati fra loro". [91]

"L'acquisto delle opere d'arte al fine di investimento si basa, al momento, solo su strategie puramente quantitative che valutano i trend di crescita e i dati di vendita per i singoli autori, o per i movimenti pittorici a fianco a regole meramente empiriche, dove ad esempio i top ten dell'anno precedente sono sempre valutati un ottimo acquisto". [92]

Il "rapporto fra il livello di qualità (riconoscimento storico-critico) e livello delle quotazioni non è affatto automatico e consequenziale (. ) e (. ) dipende soprattutto dal potere delle strutture mercantili e museali di promozione e distribuzione che stanno dietro a ciascun artista. Le più potenti sono naturalmente quelle al centro del sistema dell'arte e sono l'espressione della cultura dominante a livello mondiale". La notorietà "si alimenta e cresce progressivamente anche attraverso l'azione mediatica più allargata". [93] Ciò è confermato dalle classifiche come il Kunstkompass. [94]

Anche algoritmi dell'Intelligenza artificiale cercano di aiutare a trovare nuove soluzioni e risposte, combinando l'analisi qualitativa con quella quantitativa attraverso strumenti in grado di "suggerire le opere in asta che garantiscono un rendimento nel breve o medio periodo". Tali algoritmi posso valere per opere di arte moderna e contemporanea, ma perdono efficacia di fronte alle opere di arte classica e antica, nelle quali "i canoni di bellezza sono storicamente e universalmente riconosciuti ed è molto complicato avere suggerimenti diversi da quelli del senso comune". [95]

"Il prezzo che un mercante d'arte chiede per un'opera di un nuovo artista si basa sulla reputazione della galleria e sulle dimensioni dell'opera piuttosto che su una qualsiasi valutazione della sua qualità. In realtà non si usa mai il termine 'nuovo' per definire un artista, bensì 'emergente', termine (. ) che significa sconosciuto e, in senso relativo, non costoso". [96] Valore estetico e quotazione commerciale non sempre vanno di pari passo [97] nella contemporaneità come in passato, e non sempre il prezzo è la vera misura dell'eccellenza o della bontà dell'arte. [98]

Insieme alle recensioni su riviste specializzate, "i premi rappresentano tappe importanti che sanciscono il valore culturale [di un artista], gli conferiscono prestigio e segnalano la possibilità di una fama durevole". [99] Inoltre "molti artisti che vendono bene alle aste sono anche imprenditori". [100]

Esiste infine un mercato non ufficiale quale "conseguenza logica e inevitabile di uno stato di cose che nasce dalla natura specifica della merce-opera d'arte", [101] costituito da diversi livelli in cui trovano posto ad esempio corniciai e mediatori di vario tipo. [102] Del resto la "maggiore facilità di approccio al mondo dell'arte", che "ha certamente dischiuso le porte a un pubblico vastissimo", ha pure contribuito ad allargare "il numero dei potenziali collezionisti". [103] Le opere sottratte "dai musei, dai palazzi e dalle chiese (. ) alimentano un fiorente mercato privato destinato soprattutto all'esportazione". [104]

"A differenza del mercato d'arte antica, dove la rarità delle opere è effettiva, nel caso dell'arte contemporanea, soprattutto con gli artisti viventi, questa rarità è (. ) regolata artificialmente dalle specifiche strategie del sistema artistico". [105]

L'arte è un dialogo continuo fra produttore e consumatore, dialogo che favorisce la formazione del gusto [106] in particolare "i protagonisti del mondo dell'arte si suddividono in sei categorie: gli artisti, i galleristi, i mercanti d'arte, i curatori, i critici, i collezionisti e infine gli esperti delle case d'asta". [107] Le aste online, in particolare, favoriscono l'avvicinamento al mercato dei giovani collezionisti. [108]

Tali figure compongono il sistema dell'arte. "Il primo critico a utilizzare questa definizione è forse Lawrence Alloway, che nel 1972 pubblica su Artforum un articolo intitolato Rete: il mondo dell'arte descritto come un sistema. In Italia è Achille Bonito Oliva che ha cominciato a usarla poco dopo (Arte e sistema dell'arte, De Domizio, Roma 1975)". [109]

Se pure la definizione è relativamente recente, essa indica una realtà già esistente in passato: "nel sistema dell'arte numerosi 'attori' sono coesistiti per secoli, coinvolti in una serie di transazioni che generavano prezzi ampiamente variabili". [110] Infatti la conservazione e la divulgazione dell'arte sono sostenute dai meccanismi del mercato allo stesso modo della creatività. La produzione artistica non è un evento isolato, e richiede continua cooperazione sociale. [111]

In particolare i contratti mostrano come, malgrado i cambiamenti di gusti e di mecenati, il sistema sia rimasto invariato dal Medio Evo fino alla metà del Settecento, specialmente in Italia, ma anche all'estero. Rispetto alla situazione attuale, in cui i dipinti degli antichi maestri hanno costi astronomici rispetto ad altri tipi di collezioni, nel passato anche più recente le valutazioni sono completamente differenti. Dal Quattrocento al Settecento spesso le cornici costano più dei dipinti, e ciò vale pure per altri oggetti, come le cinture o le spade. Fra l'altro la formazione in più settori dell'artigianato è molto diffusa fin dal Quattrocento fra gli artisti, che producono dipinti, pale d'altare o cicli di affreschi, insieme a candele o armature. Ad esempio Antonio del Pollaiolo e Verrocchio sono anche orafi altri, fra cui Botticelli, dipingono cassoni e mobili o disegnano copertine per clavicembali o frontespizi di libri. Tali oggetti vengono pertanto considerati opere d'arte, prodotti spesso con la collaborazione di diversi specialisti, citati fra gli altri negli elenchi che nel 1675 registrano gli operatori dell'arte. Per tali motivi, dal punto di vista economico la distinzione rigida fra belle arti e artigianato a lungo risulta priva di fondamento, mentre l'analisi dell'intero contesto permette di identificare i meccanismi di trasmissione e raffinamento del mestiere anche attraverso lo studio del modo di vivere, dei processi di migrazione e di formazione professionale, delle forme istituzionali di incoraggiamento all'innovazione e di salvaguardia dei diritti d'autore. [112]

Nel Seicento Giulio Mancini rivendica "il ruolo del gentiluomo per la valutazione della qualità estetica quanto del valore economico della pittura". [113] Nello stesso secolo anche Roger de Piles sostiene "l'esperienza dell'arte una pratica anche mondana e commerciale: l'occhio del conoscitore (. ) nobilita l'opera conferendole un ceppo storico, una provenienza geografica e un valore economico". [114] Se pure in Gran Bretagna nel XVIII secolo il conoscitore d’arte è oggetto di aspre polemiche, [115] si tratta comunque di una figura di cui gli artisti e il mercato devono tenere conto.

Dalla fine del XX secolo il sistema dell'arte cresce grazie a "nuovi fattori di sviluppo" quali la "presenza di un pubblico reale e potenziale infinitamente più ampio" e l'aumento di interesse per l'arte contemporanea "dovuto a elementi di moda, di gusto, di nuove economie (. ) grazie alla diffusione mondiale dei fenomeni relativi all'arte, che ha determinato il coinvolgimento di un'audience nuova". [116] Divengono inoltre evidenti "i mutamenti pratici nel sistema dell'arte (. ) con l'ascesa di componenti un tempo ritenute accessorie: il moltiplicarsi di biennali, di fiere e di aste sancisce la necessità di concentrare la fruizione dell'arte contemporanea in un sistema che altrimenti è geograficamente sempre più diffuso, e stabilisce - attraverso le aste - una sorta di controllo economico mondialmente riconosciuto del valore di ogni singolo artista". [117]

La scena dell'arte contemporanea pone il marketing e la distribuzione in primo piano. Gli artisti si relazionano con i compratori anzitutto esponendo in gallerie e musei. Gli acquirenti si appoggiano a una complessa rete di ricognitori per ottenere le prime informazioni sulla migliore offerta. [45] Talvolta "nel mondo dell'arte contemporanea il branding" può perfino "sostituire il giudizio critico". [118]

"Oltre all'impegno di natura commerciale dei mercanti, c'è quello dei collezionisti che difendono e cercano di valorizzare i loro acquisti, quello della critica d'arte che lavora sul piano della promozione e del riconoscimento culturale delle opere, e c'è anche quello dei direttori e curatori di musei. Il ruolo di questi ultimi è essenziale non solo, come è ovvio, per la legittimazione dei valori (con funzione storicizzante) sul piano culturale, ma anche su quello economico sia perché i musei rappresentano una parte molto importante della domanda (collezionismo pubblico), sia perché la 'consacrazione' museale è per un artista un prestigioso valore aggiunto che si riverbera su tutta la sua produzione". [119]

"Dunque, dal punto di vista sociologico, la produzione di un'opera d'arte (. ) non dipende solo dall'artista, ma è il risultato dell'azione di tutti i principali attori del sistema dell'arte": [91] "le grandi opere (. ) non vengono realizzate unicamente dagli artisti e dai loro assistenti, ma anche dai galleristi, dai curatori, dai critici e dai collezionisti che ne 'sostengono' la produzione". [120] In tale contesto il museo d'arte contemporanea "è l'anello di congiunzione tra creazione e mercato" che interviene "direttamente sul mercato con la politica degli acquisti e delle mostre, valorizzando (nel senso di dare un valore monetario) questo o quell'artista, questa o quella corrente". [121]

Acquirenti e committenti rappresentano i partner silenti degli artisti, mentre i distributori avvicinano produttori e consumatori: l'interazione fra i diversi protagonisti è l'essenza stessa del mercato dell'arte. La creazione di opere d'arte dipende da fattori sia interni sia esterni: i primi includono l'ispirazione, la necessità di denaro, il desiderio di fama e la sfida nei confronti di stili e di creazioni precedenti. I fattori esterni comprendono i materiali e i media utilizzati per la creazione artistica, il tipo di committenza e le reti di distribuzione. [122]

"La struttura del mercato dell'arte contemporanea è notevolmente articolata e stratificata, e per questo sembra senz'altro più opportuno parlare di vari mercati, per molti aspetti non collegati fra loro. I mercanti e le gallerie d'arte non rappresentano affatto una categoria omogenea, ma si devono dividere in varie sottocategorie, in relazione alle differenti funzioni specifiche che svolgono ai diversi livelli di mercato, e in rapporto ai diversi tipi di prodotti oggetto del loro commercio": mercanti che operano su scala internazionale o a livello locale, e che trattano artisti noti o nuove proposte in relazione a vari generi o scuole. [123]

Allo stesso modo "gli acquirenti di opere d'arte possono essere distinti in due macrocategorie: chi acquista (. ) per il puro piacere (. ) e chi al contrario (. ) a mero scopo d'investimento. Queste due categorie hanno strategie di acquisto assolutamente opposte: nella prima prevalgono gli aspetti emozionali ed estetici mentre nella seconda prevalgono calcoli esclusivamente speculativi”. [124]

Parallelamente "le grandi case d'asta internazionali e nazionali hanno (. ) un'importanza cruciale nell'ambito del sistema dell'arte contemporanea, in quanto rappresentano (. ) le strutture finanziariamente e strategicamente più potenti e organizzate nell'ambito dell'attività del mercato secondario dei valori artistici affermati". [125]

Inoltre "le fiere dell'arte contemporanea rappresentano il trionfo esplicito della dimensione commerciale che si oppone, a livello di massima visibilità, alla dimensione culturale delle grandi manifestazioni espositive periodiche come la Biennale di Venezia o Documenta di Kassel e a quella dell'attività espositiva dei musei. La nascita delle fiere intorno al 1970 (. ) e il loro consistente sviluppo in molti paesi (. ) ha determinato una novità significativa rispetto al passato, non solo perché sono un segno della grossa crescita delle strutture di mercato, ma anche e soprattutto perché hanno definitivamente spazzato via ogni residua forma di occultamento dell'immagine dell'arte come merce. Sono esposizioni che coinvolgono un grande pubblico, oltre agli addetti ai lavori, ma che mortificano ogni possibilità di seria fruizione estetica". [126] "L'invenzione della fiera d'arte", come Art Basel, "risponde perfettamente" all'esigenza "sempre più accentuata del pubblico a voler vedere, recepire, conoscere e valutare l'arte contemporanea il più rapidamente possibile, con una sorta di programmata full immersion che consenta in due o tre giorni di respirare l'atmosfera di novità che la galleria è in grado di restituirgli". [127] D'altro canto "la fiera è una manifestazione (. ) in cui la ressa e il sovraffollamento di opere negli stand impediscono di apprezzare a fondo i lavori esposti". [128]

Per contro la "funzione del pubblico (. ) ha un grande peso per quello che riguarda il consolidamento e allargamento del successo di artisti e opere, ma non incide per nulla nella prima fase di selezione e affermazione dei nuovi artisti e delle nuove tendenze, dove contano solo gli addetti ai lavori e il pubblico ristretto del microambiente artistico". [91] "La preponderanza assoluta data al fattore economico esalta la funzione egemonica di quelle componenti che vi hanno a che fare direttamente - gallerie e collezionisti - ma al contempo stabilisce fortissime gerarchie all'interno di queste: solo le gallerie economicamente forti, come i collezionisti dotati di mezzi ingenti, possono determinare il gusto del mercato, mentre (. ) sono le altre componenti del mondo dell'arte a subire le ripercussioni maggiori: la figura del critico si trasforma in quella del curatore, abdicando parzialmente ai criteri di scelta in favore di quelli dell'informazione e della presentazione dell'esistente lo stesso avviene per il museo, destinato principalmente alla consacrazione e non più alla riflessione storico-critica, mentre anche il pubblico esce abbagliato da proposte sostenute da abili strategie di marketing, a loro volta legate al maggiore o minore impegno di capitali. Infine, l'artista (. ) subisce i contraccolpi di questi mutamenti (. ), che vanno dal rispetto di regole non scritte per la conquista della scena, alla competizione esasperata dalla globalizzazione del mercato, alla necessità di un cambiamento linguistico talvolta radicale (. ) alla spettacolarizzazione e alla monumentalizzazione mediatica dell'opera d'arte" in cui "il rinnovamento del linguaggio" viene posto "in posizione decisamente subalterna rispetto al soddisfacimento del trend corrente". [129] "Nel sistema (. ) globalizzato (. ) l'artista si misura immediatamente con il resto del mondo". [130]

In sintesi, "si può considerare il sistema dell'arte come un sistema economico che ruota attorno a un prodotto - l'opera d'arte -, la cui peculiarità sta nell'imporre a ogni costo un certo crisma di qualità, molto più impalpabile e difficile da quantificare rispetto ad altri prodotti e più in competizione all'interno della medesima categoria commerciale, dove però la caratteristica della novità costituisce gran parte dei requisiti per il successo. Il sistema dell'arte, al cui interno operano artisti, critici, galleristi, istituzioni museali, collezionisti (figure che possono sovrapporsi e confondersi), comprende la produzione, la diffusione e il collocamento di un prodotto assolutamente superfluo, appartenente ai cosiddetti beni di lusso, ma al contempo assolutamente necessario, perché riconosciuto universalmente come espressione più alta di ogni cultura. La capacità di proporre, forse anche di imporre, un modello artistico rispetto a un altro diventa dunque un elemento strategico per tutto ciò che comporta interpretazione del mondo, aspettative, stile di vita dei gruppi sociali che vi si avvicinano. In questo senso se ne può dedurre anche una valenza politica non indifferente". [131]


Salvatore Provino

Nato a Bagheria (Palermo) il 4 giugno 1943, giovanissimo si trasferisce a Roma dove frequenta lo studio del suo concittadino Renato Guttuso. Nel 1964, a soli 21 anni, la Galleria Consorti di Roma gli organizza la sua prima mostra personale che rievoca i luoghi della sua infanzia.

I luoghi natali, i volti dei contadini scavati dalle rughe del tempo e dal duro lavoro, la campagna con i colori del dramma e della tragedia che rimanda alla cultura greca antica, influenzano profondamente la sua formazione artistica.

Alla fine degli anni ‘60 la sua pittura si avvicina alla sensibilità di quella inglese e in particolare di Francis Bacon. Si tratta del periodo figurativo in cui l'artista risente anche di influenze Sironiane e predilige soggetti che affrontano attraverso la drammaticità della figura umana le difficili condizioni esistenziali di un'intera classe sociale alle prese con gli effetti del processo di industrializzazione e di sfruttamento dell'uomo.

Nel 1974 l'artista, a seguito di ripetuti incontri con il matematico-filosofo Lucio Lombardo Radice, attinge alla teoria di Lobacevskij circa la sfericità del corpo e la geometria intesa come struttura dello spazio fisico. La geometria diviene sferica, le strutture sembrano levitare, le forme dinamiche, in una ricerca concettuale dove la matematica assomiglia sempre di più all'arte per l'essenza intuitiva e creativa come origine di ogni percorso teorico ed empirico.

Nel 1979 un viaggio in Perù porta Provino a vivere nella sua pittura una straordinaria dialettica tra le geometrie e la filosofia, tra il visibile e l'invisibile. Si inaugura dunque quello che può essere considerato a tutti gli effetti il periodo della piena maturità dove la pittura fatta di materia e colore diviene lo strumento principe per sviscerare quella ricerca espressiva di un mondo dinamico e infinito, attraverso la maniacalità dell'esecuzione pittorica e la gestualità del segno trova la strada per interpretare quello che lo spazio fisico della tela non consentirebbe.

Nel 1986 è chiamato per “chiara fama” alla cattedra di pittura dell'Accademia di Belle Arti di Palermo, per poi passare all'Università di Napoli.

A partire dagli anni ‘90 si succedono mostre personali in importanti spazi pubblici nazionali alternate da prestigiose esposizioni di caratura internazionale: tanto per citarne alcune Il Palazzo dei Diamanti di Ferrara, il Palazzo delle Esposizioni di Roma, Castel dell’Ovo a Napoli, Cervia ai Magazzini del Sale.

Nel 2002 espone come primo artista occidentale nel Museo Nazionale di Storia Cinese a Pechino e successivamente nei musei più importanti delle città di Shenzhen, Shenyang, Canton, Shanghai, Hong Kong e Changshu. Inizia così una decade di mostre internazionali che lo porteranno dalla Grecia agli Stati Uniti e dalla Bulgaria all'Argentina tornando periodicamente ad esporre nella sua Sicilia.

  • Roma. Galleria Consorti.

  • Roma. Galleria Il Girasole.

  • Roma. Galleria Il Vertice.
  • Palermo. Galleria L'Incontro.
  • Ragusa. Galleria Sud-Sudest.

  • Tripoli (Libia). Galleria Leyla Tohdemir Khalil.

  • Roma. San Lorenzo.
  • Bari. Galleria La Bussola.

  • Milano. Galleria Ciovasso.
  • Bagheria (Pa). Galleria il Nibbio.

  • Roma. Galleria Molino.
  • Reggio Calabria. Galleria La Vernice.
  • Bagheria (Pa). Galleria Valguarnera”.

  • Milano. Galleria Ciovasso.
  • Bagheria (Pa). Galleria Il Nibbio.
  • Roma. Galleria La Nuova Pesa.
  • Teramo. Galleria G4.

  • Napoli. Ritmo della città. Galleria Schettini.

  • Roma. Galleria Cà d'Oro.

  • Roma. Galleria Il Giornale di Roma.
  • Venezia. Galleria Numero di Fiamma Vigo.
  • Firenze. Galleria Giorgi.
  • Porto Potenza Picena (Mc). Galleria La Margherita.

  • Orvieto. Galleria Maitani.
  • Taranto. Galleria In Primo Piano.
  • Rieti. Galleria Numero Uno.
  • Palermo. Galleria La Robinia.

  • Cortona. Galleria Arcaini.
  • Roma. Galleria Nuovo Carpine.

  • Bagheria (Pa). Galleria Il Poliedro.
  • Arezzo. Galleria Comunale d'Arte Contemporanea Palazzo Guillichini.

  • Ferrara. Palazzo dei Diamanti.
  • Bologna. Galleria Quartirolo.
  • Orvieto. Palazzo dei Papi.

  • Roma. Galleria Cà d'Oro.
  • Roma. Galleria Carte Segrete.
  • Palermo. Galleria La Tavolozza.
  • Catania. Galleria Arte Club.
  • Spoleto (Pg). Galleria Internazionale Fontana Arte.

  • Reggio Calabria. Galleria Il Messaggero.
  • Porto Potenza Picena (Mc). Galleria La Margherita.

  • Latina. Galleria La Colomba.

  • Roma. Galleria La Gradiva.

  • Padova. Galleria La Chiocciola.
  • Stoccolma (Svezia). Galleria Art Atrium.

  • Boston (USA). Galleria Irmtraud Ann-Thiel.
  • Nizza (Francia). Art Jonction International.

  • Bagheria (Pa). Galleria Artecontemporanea.

  • Vercelli. Meeting Art.
  • Orvieto. Palazzo Netti.
  • Roma. Opere 1979-1989. Ministero dei beni culturali e ambientali, Complesso Monumentale San Michele a Ripa.

  • Los Angeles (USA). Galleria Ashkenazy Galleries.
  • Macerata. Pinacoteca e Musei Comunali.

  • Bagheria (Pa). Opere dal 1963-1991. Galleria Comunale d'Arte Moderna e Contemporanea.
  • Roma. Terra. Palazzo delle Esposizioni.
  • Palermo. Studio 71.

  • Vercelli. Meeting Art.
  • Cosenza. Galleria Marano.

  • Los Angeles (USA). Galleria Ashkenazy Galleries.

  • Cosenza. Galleria Merano.
  • Salerno. Galleria Grassi.

  • Morlupo (Roma). Galleria Comunale.
  • Roma. Anatomia sul corpo della pittura. Galleria Cà d'Oro.
  • Boston (USA). Galleria Irmtraud Ann-Thiel.

  • Bruxelles (Belgio). Centro culturale italiano.
  • Seul (Corea del Sud). Spazio Multimediale Rotunda.
  • Palermo. Superfici gassose. Galleria Studio 71.

  • Palermo. Fuochi ed altre folgori. Palazzo dei Normanni.
  • Salonicco (Grecia). Istituto Italiano di Cultura.

  • Cavaso del Tomba (Tv). Asalo Golf Club.
  • Portobuffolé (Tv). Casa di Gaia Da Camino.
  • Milano. Sussurri / Fragori. Palazzo del Senato, Archivio di Stato.
  • Shenyang (Cina). Palazzo dell'Università.
  • Pechino (Cina). Museo Nazionale della Storia Cinese (primo artista occidentale ad esporre in questo museo).
  • Catania. Opere 1978-2002. Castello Ursino.

  • Foggia. Museo Palazzetto dell'Arte.
  • Taormina (Me). Palazzo Duci di Santo Stefano.
  • Napoli. Sedimenti della materia. Castel dell'Ovo.
  • Sofia (Bulgaria). Galleria Sredets.

  • Monticello Conte Otto (Vi). Galleria Sante Moretto Arte Contemporanea.
  • Madrid. Galleria “Artemix”.
  • Cervia. Sedimenti della materia. Magazzini del sale.
  • Varna (Bulgaria). Galleria d'Arte Civica.
  • Plovdin (Bulgaria). Galleria d'Arte Civica.
  • Botevgrad (Bulgaria). Galleria d'Arte del Museo Storico.
  • Russe (Bulgaria). Galleria d'Arte Civica.
  • Chiustendil (Bulgaria). Galleria d'arte Vladimir Dimitrov.
  • Pleven (Bulgaria). Galleria d'arte Ilia Bescecov.
  • Sofia (Bulgaria). Galleria Sredets.

  • Guangzhou (Cina). Guandong Museum of modern Art.
  • Shenzhen (Cina). He Xiangning Art museum “Vestiges of space”.
  • Forlì. Fiera Contemporanea Collaterale.

  • Maribor (Slovenia). Galleria Dlum.
  • Changshu (Cina). Changshu Museum Arts.
  • Capua (Ce). Stratificazioni. Museo Campano.
  • Trabia (Pa). Sedimentazione – natura. Centro sociale Ex Case Sanfilippo.

  • Napoli. Fuga dallo sguardo. Castel dell'Ovo.
  • Buenos Aires (Argentina). Geometrias del alma. Centro Cultural Borges.
  • Roma. Fuga dallo sguardo. Galleria Michelangelo.

  • Civitavecchia. La fenice della pittura. Galleria Michelangelo.

  • Marino (Roma). Natura e materia. Museo civico “U. Mastroianni”.
  • Crotone. Pittoriche anatomie luce e spazio. Galleria d'arte contemporanea “Lucia Messina”.
  • Catania. Verticalità. Galleria Brucastudio.

  • Palermo. Terra crisalide, anni luce fa. Galleria Mercurio Arte.
  • Roma. Opera incisa, l'Evoluzione del segno. Stamperia del Tevere.
  • Arcevia (An). Attraversando la vita. AR(t)CEVIA International Art Festival 2011.

  • Palermo. Effetti Collaterali. Provincia Regionale di Palermo, Palazzo Sant'Elia.

  • Jakarta (Indonesia). Attraversando la natura. Museum Gedung Arsip Nasional

  • Roma. Galleria Il Girasole.

  • Roma. Rassegna di Arti Figurative di Roma e Lazio.
  • Mantova. Premio Revere.

  • Roma. Rassegne Prospettive Uno.

  • Bagheria (Pa). Rassegna di Arti Plastiche e Figurative.

  • Celano (Aq). III Biennale d'Arte.

  • Firenze. Rassegna Aspetti dell'Arte Contemporanea in Italia.
  • Chieti. Premio Vasto.

  • Rassegna Incontri Silani.

  • Roma. Galleria Alzaia.
  • Roma. Rassegna Via Condotti.

  • Bari. Expò 1ª Edizione.
  • Palermo. Rassegna Il Sacro nell'Arte. Palazzo Arcivescovile.

  • XX Biennale Premio Alatri. Palazzo Gentili.

  • Celano (Aq). II Triennale Europea.

  • Acireale (Ct). Rassegna di Pittura. Palazzo comunale.
  • San Gemini (Tr). Rassegna di Sculture Lignee.
  • Acireale (Ct). Rassegna Omaggio alla Sicilia.

  • Perugia. Mostra Nazionale di Pittura.

  • Bagheria, Catania, Gibellina. Rassegna Circumnavigazione Due. Galleria Ezio Pagano
  • Assisi. L'Isola e Il Segno.

  • Sulmona (Aq). XIII Rassegna Nazionale di Pittura.
  • Aquila. Triennale Europea di Arte Sacra. Castello Trecentesco.
  • Pescara. Biennale Nazionale di Arte Sacra.
  • Nizza (Francia). Rassegna Art Jonction International.

  • Campobello di Mazara (Tp). Premio Nazionale di Arte Contemporanea.
  • Varna (Bulgaria). IV Biennale Internazionale di Varna.
  • Stoccolma (Svezia). Arte Fiera Konstmassan.
  • Bagheria (Pa). Rassegna Circumnavigazione Galleria Ezio Pagano.
  • Sibari (Cs). I Premio Le Città della Magna Grecia.

  • Palermo. Rassegna Nazionale di Arte Contemporanea Tota Pulchra.
  • Modica. (Rg). Rassegna Ibla Mediterranea.
  • Catania. Rassegna di Scultura e Pittura nell'Area Mediterranea.
  • Premio Fimis ‘88.
  • Roma. Arte contro L'AIDS.

  • Roma. Rassegna Presenze Siciliane. Complesso Monumentale San Michele A Ripa.
  • Milano. Biennale di Milano.
  • Sulmona (Aq). XVII Premio Sulmona.
  • S. Flavia (Pa). I Rassegna d'Arte.

  • Roma. Art Solidarity.
  • Celano. Celano Oggi Memoria d'Arte.

  • Trapani. Sicilia Mito e Realtà. Museo Pepoli.
  • Roma. Rassegna Arte Roma ‘91. Palazzo dei Congressi.
  • Termoli (Cb). Esaedro. Galleria Civica Arte Contemporanea.
  • Roma. Rassegna Art Solidarity.
  • Palermo. Rassegna Lux Mundi. Albergo delle Povere.
  • Siracusa. Rassegna di Arte Sacra.
  • Termoli. XXXVI Rassegna. Galleria Civica.

  • Vercelli. Meeting Art.
  • Roma. Arteroma.

  • Roma. Arteroma.
  • Erice (Tp). Circuiti d'Acqua. Palazzo dei Militari.

  • Civitella Roveto (Aq). Versanti dell'Arte Italiana II Novecento.

  • Catania. La Questione Siciliana.
  • Modica (Rg). Ibla Mediterranea.
  • Seravezza (Lu). Il Girasole Trent'anni dopo.

  • Roma, Mostra. L'Isola Dipinta. Palazzo Vittoriano.
  • Morlupo (Rm). Palazzo comunale.

  • Tindari (Me). Ave Crux. Rassegna Nazionale di Arte Contemporanea.

  • Coutances (Francia). Sicilie ile de beautè.

  • Teramo. 100 Artisti rispondono al PAPA. Museo Stauròs.
  • Canton (Cina). Guangdong Museum of Art.
  • Dalian. Settant'anni di carte italiane. Palazzo Belle Arti.
  • Pechino. Istituto Italiano di Cultura .
  • Buenos Aires. Trazos para una memoria. Incontro della pittura italiana contemporanea.

  • Mosca. Generazioni. Galleria Beleyevo.
  • Premio Bargellini.
  • Roma. Galleria Michelangelo.
  • Buenos Aires. Diez Años de Gráfica Italiana.

  • Krakowia (Polonia). 70 anni di carte italiane. Galleria Wloskiego, Galleria Krzystofory.
  • Orvieto. La galleria Maitani 1967-1989. Galleria Zerotre.
  • Roma. Le ombre dei Maestri. Metropolitana di Roma.

  • Catania. Percorsi etici. Galleria d'arte moderna e centro culturale “Le Ciminiere”.
  • Varna, Russe, Plovdiv (Bulgaria). Da Balla a Scialoja. Mostra itinerante nelle Gallerie Civiche.
  • Pleven (Bulgaria). Galleria Civica “Ilia Beshkov“.
  • Lovech (Bulgaria). Sala espositiva “Varosha“.
  • Sofia (Bulgaria). Unione dei pittori bulgari.
  • Albissola Marina (Sv). Arte senza confini. Museo civico d'arte contemporanea.
  • Roma. La notte bianca –Imago verba-Visioni e poetiche contemporanee. Galleria Tartaglia arte.
  • Palermo. Di sguardi, luoghi. Di ombre. Galleria Ellediarte.
  • Forlì. Fiera “Contemporanea“.
  • Roma. Matrice primaria. Galleria Michelangelo.
  • Loretto (Pennsylvania). Jacob's ladder southern alleghenies museum. VI international biennal regional artists sacred art.
  • Ortigia (Sr). Grandi meditazioni per un piccolo formato. Galleria Roma.

  • Roma. Rassegna d'arte contemporanea “L'arte di amare l'arte“. Galleria Orsini

  • Roma. Primaverile A.R.G.A.M. Museo Venanzio Crocetti.

  • Rapallo (Ge). Centro d'Arte Mercurio.

  • Agrigento. V edizione ARTE.

  • Roma. I Triennale dell'astrattismo e del surreale .
  • Formello (Rm). Quattro rotte d'autore. Palazzo Chigi.
  • Arcevia. III edizione ArtCevia – International Art Festival.
  • Vibo Valentia. Premio internazionale “Limen –Art “.
  • Palermo. Novecento sacro in Sicilia.

  • Catania. Made in Sicily. Museo Le Ciminiere.
  • Catania . “Il Bosco d'Amore” omaggio a Renato Guttuso. Palazzo Valle, Fondazione Puglisi Cosentino.


Sei già utente di FISCOeTASSE.com?
Non sei ancora registrato ?

PDF dell'articolo

Con Risposta a interpello n 303 del 2 settembre 2020 le Entrate forniscono chiarimenti in merito all’applicabilità dell’IVA al 10% nella cessione di opere d’arte e in particolare si chiarisce che è possibile nel caso di specie solo per quelle per le quali ricorrano i requisiti della tiratura limitata e della totale realizzazione manuale da parte dell’artista (così come previsto dalla Tabella, allegata al DL n 41/1995 convertito con modificazioni dalla Legge 85/95).

Ma vediamo il caso oggetto dell'interpello.

  • con codice Ateco 90.03.09-altre creazioni artistiche e letterarie
  • codice 47.78.31-attività prevalente “commercio al dettaglio di oggetti d’arte”
  • e attività secondaria realizzazione, esposizione e vendita di opere grafiche

Egli progetta con pc e mediante software sculture figurative originali che poi stampa con stampanti proprie o di società di stampa 3D.

Con la stampa 3D ottiene sculture grezze che egli stesso poi stucca, liscia e vernicia. Tali sculture sono vendute come pezzi unici o in serie limitata di 50 o 200 pezzi direttamente a privati, tramite vendita on line.

Egli vorrebbe sapere se possa applicare a tali cessioni l’aliquota al 10% di cui al n 127-septiesdecis della Tabella A Parte III allegata al DPR 633/72

L’agenzia esprime parere contrario alla applicabilità dell’IVA 10% nel caso di specie per i seguenti motivi:

il numero 127-septiesdecies) della Tabella A, Parte III, allegata al DPR 633/72 prevede l'applicazione dell'aliquota IVA ridotta alle cessioni, da parte degli autori e dei loro eredi o legatari, degli oggetti d'arte individuati dalla Tabella, allegata al DL n 41/1995 (convertito con modificazioni dalla Legge 85/95).

Per quanto concerne le sculture, come è nel caso di specie, la stessa Tabella considera “Oggetti d'arte, le opere originali dell'arte statuaria o dell'arte scultoria, di qualsiasi materia, purché siano eseguite interamente dall'artista fusioni di sculture a tiratura limitata ad otto esemplari, controllata dall'artista o dagli aventi diritto a titolo eccezionale in casi determinati dagli Stati membri, per fusioni di sculture antecedenti il 1° gennaio 1989, è possibile superare il limite degli otto esemplari”.

In base a tale disposizione, dunque, sono oggetti d'arte quelli per i quali ricorrono determinate condizioni, tra le quali che gli stessi siano eseguiti interamente dall'artista.

Nella fattispecie in esame, non sembrano ricorrere le condizioni richieste per l'applicazione dell'aliquota IVA agevolata in quanto l’istante riferisce di avvalersi di software e stampa 3D anche esterna da cui nascono le sue sculture. Egli riferisce inoltre di venderle in numero di esemplari superiore a quello richiesto dalla norma per l’IVA agevolata.

L’agenzia rileva che l'intervento manuale del contribuente risulti residuale.

Pertanto le cessioni degli oggetti prodotti dovranno essere, secondo l’agenzia, soggette all'aliquota IVA ordinaria e non a quella del 10% in quanto non riconducibili a nessuno dei manufatti definiti "Oggetti d'arte" dalla Tabella, allegata al DL n.41 del 1995.


AWAKENING , 2019

At present, Mira Longfield creates series of MANDALAS which she produces by multiplication of forms from her series of paintings THE UNIVERSE OF SOUL. In this process, paintings become the starting point and resource for the formation of a new visual form that brings new surprising qualities and possibilities. MANDALAS are created authentically without using any computer transformation (filters, artificial effects). Mandala could be applied as a tool

… Learn more + for relaxation and self-consciousness. Mandala does not belong to any culture or religion. It is overtime symbol of oneness and balance, and a symbol of the UNIVERSE.

Digital art on hand-stretched cotton canvas stretched on a 3D wooden frame.
The artwork is ready to hang. Artwork could be framed in a black, silver, or white floating frame.

It is also possible to choose a different format for printing.

The artwork is signed on the back and accompanied by a certificate of authenticity. Less

With Singulart, delivery is insured from start to finish.

Every work is carefully packaged by the artist, according to standardized packaging specifications set by Singulart. The work is then entrusted to a specialized delivery carrier. A delivery time will be arranged between you and the carrier and the work will be delivered to the address indicated at the time of the order. The packaging and delivery costs for the work are currently paid for by Singulart. The delivery costs will only be invoiced if the customer has expressly requested that the work be framed (due to extra weight), or if the delivery destination is not covered by our Singulart shipping partner and the use of a different carrier, at non-preferential rates is required. If the work should arrive broken or damaged, Singulart will pay for the return costs and manage any compensation between the artist and the buyer. If the work cannot be repaired or restored, the customer is immediately reimbursed.

Singulart has a 14 day withdrawal period, starting on the day you receive the work.

If the work does not correspond to what you were expecting, you can send it back to the artist. Singulart takes care of the returns costs, so that you can buy without hesitation. Contact us for more information!

With Singulart, you can pay safely by credit card or bank transfer.

For all transactions exceeding your credit limit, contact us. We are required to verify every transfer, as part of the fight against fraud and money laundering.

Singulart guarantees reliability and traceability.


Un pensiero riguardo “ Autenticare un’opera d’arte ”

Lascia un commento Annulla risposta

Salvador Dalì

" style="max-width: 100% height: auto" srcset="https://pitturaitaliana.org/wp-content/uploads/2017/11/persistenza-della-memoria-Dalì-300x225.jpg 300w, https://pitturaitaliana.org/wp-content/uploads/2017/11/persistenza-della-memoria-Dalì-768x576.jpg 768w, https://pitturaitaliana.org/wp-content/uploads/2017/11/persistenza-della-memoria-Dalì-1024x768.jpg 1024w, https://pitturaitaliana.org/wp-content/uploads/2017/11/persistenza-della-memoria-Dalì.jpg 1200w" sizes="(max-width: 300px) 100vw, 300px" /> Dalì

Articoli

  • Autenticare un’opera d’arte marzo 7, 2019
  • Pittori Famosi Italiani maggio 4, 2018
  • Il Quadro più bello del Mondo maggio 3, 2018
  • I quadri d’amore più belli aprile 29, 2018
  • Maurizio Cattelan Artista aprile 26, 2018
  • Agevolazioni fiscali sull’acquisto di opere d’arte febbraio 12, 2018
  • D’E.M. Venice Art Gallery dicembre 21, 2017

Cav. Perito Esperto Musetti Renato

" style="max-width: 100% height: auto" srcset="elic-2022/1975/image_GfVNYz8mlh8vtoj0CbDxl.jpg 300w, https://pitturaitaliana.org/wp-content/uploads/2018/03/intervista-al-Perito-d-Arte-Musetti-Renato-520x390.jpg 520w, https://pitturaitaliana.org/wp-content/uploads/2018/03/intervista-al-Perito-d-Arte-Musetti-Renato.jpg 652w" sizes="(max-width: 300px) 100vw, 300px" /> Musetti Renato

Video: Charitatívny aukčný salón 2021. Komentovaná prehliadka diel s Ninou Gažovičovou.